viernes, 30 de septiembre de 2016

Shoot 'Em up



Las películas grabadas en abril en mi nube de Movistar+ me caducan este mes, y son algunas decenas. Así que anoche comencé a ver la primera de ellas. La elegida fue Shoot 'Em Up y , antes de nada, comentaros que fue una mala elección.

La película prometía por su elenco -Clive Owen y sobre todo por Paul Giamatti - como actor- así como Monica Bellucci -como alegría visual es incomparable-  que parecían prometer cierta calidad. A esto se unía la estética oscura y sucia del trailer ¿por qué no podía estar bien? , y eso se le añadía el hecho de presentarla como una mezcla de acción y humor negro con un toque aparente de ¡Qué hay de nuevo viejo...! a los Bugs Bunny... habría que darle una oportunidad, ¿no? Craso error. Me equivoqué. Al final uno agradecer lo mejor de la película, es cortita. 

La película fue dirigida y escrita por Michael Davis y producida por Susan Montford, Don Murphy y Rick Benattar. Michael Davis, director entre otras de películas como Monster Man y American Girls. quiso apostar aquí por una mezcla de acción, humor, coreografías a lo John Woo, pero...La productora que llevaría la voz cantante sería en la película ha sido Alliance Films y Angry Films, mientras que la distribuidora que se encargaba era la New Line Cinema. La película contó con un presupuesto de $39 millones 

Para ello Davis contó con un guión firmado por el mismo. Además contó en el apartado musical con la música de Paul Haslinger, la fotografía de Peter Pau, el montaje de Peter Amundson y el vestuario - preciso y precioso en el caso de la Belucci, del sucio de Owen, mejor ni hablar- de Denise Cronenberg. 

El reparto fue asumido por Clive Owen como Smith, Monica Bellucci como Donna Quintano, Paul Giamatti como Karl Hertz, Greg Bryk como "Go-to-Guy"o Lone Man , el hombre solitario , Stephen McHattie como Hammerson, Ramona Pringle como la Madre del bebe, Julian Richings como el conductor de Hertz y Daniel Pilon como el Senador Rutledge. A los que se unen los gemelos Sidney y Lucas Mende- Gibson  como el niño.. 

El señor Smith (Clive Owen), es un misterioso y solitario pistolero, al que le gusta comer zanahorias, que uno no sabe muy bien de dónde las saca, y que mientras se encuentra en una parada de autobús en una parte peligrosa de la ciudad, ve a una mujer embarazada que huye de un asesino a sueldo. Después la chica entra en un almacén, y es seguida por el sicario, y más tarde por Smith. El asesino intenta matar a la chica , pero Smith interviene y acaba apuñalándolo en la cara con una zanahoria. Casi de inmediato irán llegando más y más matones, mientras que la mujer comienza a dar a luz, Comienza así  un tiroteo que prácticamente no para hasta el final de la película. El grupo de asesinos está encabezado por Karl Hertz (Paul Giamatti). Producto del mismo es que la mujer recibe un disparo en la cabeza, muriendo en el acto obligando a Smith a escapar  con el recién nacido.

Tras esto entra en el metro y protege al niño con un calcetín y pasa toda la noche con él. Por la mañana intenta dejar al bebé en un parque, pero Smith espera que alguien vaya a adoptar al niño, y cuando una mujer lo descubre ésta recibe un disparo de fusil de un francotirador  que resulta ser Hertz. Desbarata así  involuntariamente un extraño complot, cuando rescata a un bebé de una muerte segura.

Parece que Smith (Clive Owen), es un desempleado con experiencia militar y ávido comedor de zanahorias que sólo desea que nadie lo moleste. Smith, sin embargo, y desde este momento  se ve envuelto en una compleja conspiración política cuando ayuda a una mujer embarazada que es perseguida por un asesino a sueldo. La mujer da a luz durante un tiroteo; sin embargo, ella recibe un disparo en la cabeza.

Al darse cuenta de que Hertz está tratando de matar al bebé, Smith lo salva, y lo intenta dejar con una prostituta llamada Donna en periodo de lactancia (Monica Bellucci). Para alimentar a su pequeño protegido, Smith toma al bebé y le pide a Donna Quintano (Monica Bellucci). ayuda. Pero  a pesar de sus súplicas, ella se niega.

Tras esto Hertz llega al burdel de Donna y la tortura con su pistola para obtener información, sólo la intervención de Smith la salva. Desde ese momento los dos más el bebé se convierten en el objetivo de un peligroso mafioso (Paul Giamatti), que enviará a sus sicarios para eliminar al niño.

Donna y  Smith marchan a casa de ella. Smith se da cuenta de que el bebé (que él llama Oliver) deja de llorar cuando escucha música de heavy metal, que lo llevó a la conclusión de que su madre vivía cerca de un club con ese perfil.

De cualquier manera Hertz que parecía muerto tras su enfrentamiento con Smith prosigue la búsqueda. Mientras, Smith se ve obligado a  huir junto a Donna.

Ambos van a un club heavy cercano. Encima del club descubren un apartamento que contiene equipos médicos y dos mujeres embarazadas muertas; Smith concluye que las mujeres fueron inseminadas con el esperma de un hombre específico para que pudieran dar a luz a juego donantes de médula ósea.

Tras ir a un motel Smith y Donna son atacados por hombres enmascarados cuando la pareja hace el amor vuelve a entrar en acción el grupo encabezado por el inteligente y rudo Hertz (Paul Giamatti) y su ejército de matones. Tras acabar con todos, Smith se da cuenta de sus armas asaltantes portan todos los modelos "Hammerson" unas armas que no están disponibles al público.

Tras llegar a esa conclusión, Donna, Smith y Oliver van a un museo de la guerra, y Smith los oculta en un tanque M24 Chaffee. Tras ello se infiltrar en la fábrica de armas Hammerson,

Smith es testigo de una entrevista entre  Hertz y Hammerson  acerca de la forma en que no quieren que se modifica la segunda enmienda que pretende ser derogada por el próximo presidente. Smith coloca multitud de armas trampa por toda la instalación, lo que le permite matar a los muchos de los sicarios de Hammerson y escapar.

Después de varios enfrentamientos entre Smith y el grupo de Hertz, el primero es capaz de descubrir la historia detrás de la conspiración en la que está presente un senador de los Estados Unidos y un prominente fabricante de armas (Stephen McHattie) que es quien contrata a Hertz para matar a los bebés.

Smith pronto se da cuenta de un artículo sobre el senador Harry Rutledge (Daniel Pilon), un candidato presidencial que hace campaña a favor de unas leyes de armas más estrictas. Smith deduce que Rutledge tiene cáncer y que necesita un trasplante de médula ósea, por lo que tenía a multitud de niños sustitutos con su material genético, para obtener su médula ósea y así tratar el cáncer que él padece.  y ​​qué la intención de Hertz y Hammerson es acabar con  Oliver para que el senador no pueda curarse y muera. Si los bebés mueren, el senador no recibirán la donación y llegará a ser Presidente.

Smith le dice a Donna que han de salir de la ciudad, antes de que Smith entre en contacto con uno de los secuaces de Rutledge para solicitar una cita.

La reunión se realiza a bordo de un avión, y  el senador confirma las sospechas de Smith. Éste notar que tiene pelo de perro en el pantalón. Y llega a la conclusión de que ese pelo pertenece a duquesa, una perra que acompañaba a Hammerson, y que el senador parece haber llegado  a un acuerdo con Hammerson,

Smith entonces toma a Rutledge como rehén sólo para que Hertz y Hammerson aparezcan. Hertz escapa, mientras que Smith mata al senador y salta desde el avión en un paracaídas matando mientras a varios secuaces que le persiguen. Eso sí,  Smith resulta herido, y después de aterrizar se derrumba debido a sus lesiones.

Smith se despierta, posteriormente, en la mansión de Hammerson. Hertz tortura a Smith, rompiendo los dedos de éste para saber dónde envió Donna y Oliver. Cuando Hertz se prepara para cortar los ojos de Smith, Smith logra liberarse golpeando en la cabeza a Karl Hertz y matando a varios matones.

Arrinconado y luchando para utilizar su arma, a pesar de la dificutad de sus manos, Smith se coloca munición real entre los dedos rotos y, mediante la detonación de ellos utilizando el calor procedente de una chimenea, provoca que las balas estallen y den sobre Hertz, que cae al suelo herido de muerte. Como Smith y Hertz tienen ambas pistolas de apoyo luchan para matarte entre sí. Smith se las arregla para disparar primero y mata a Hertz.

Para acabar vemos a bordo de un autobús Smith acompañado de la duquesa,  el pastor alemán del difunto Hammerson,  se detiene en una heladería, donde se encuentra con Donna pues allí trabaja como camarera mientras cuida de Oliver.

La película termina cuando un grupo de ladrones armados sucio y aficionados entran  en la heladería. Smith todavía lleva en las manos vendajes, y Smith les dispara mediante el uso de una zanahoria para apretar el gatillo.  Así acaba este bodrio  lleno de acción  sin sentido.

El filme fue estrenado el 7 de septiembre de 2007 y no consiguió alcanzar , como era de esperar, el éxito  llegando a obtener en taquilla unas cifras cercanas a los $26.8 millones de dólares.

Cuando la idea original del director y guionista Michael Davis era rechazada por los estudios cinematográficos, él decidió realizar un metraje animado de 17 minutos para dar una idea a los directores de los estudios de cómo se verían las escenas de acción. Esto llamó la atención del director ejecutivo de New Line Cinema, Robert Shaye, quien aprobó el proyecto y aceptó a Davis como director. 

Tras contratar a Clive Owen y a los otros actores, la producción se inició en Toronto (Ontario, Canadá) rodando parte de ella en los Toronto Films Studios y en puntos de la ciudad entre  el 13 de febrero de 2006 hasta el 8 de mayo de 2006. 

Dicen que Clive Owen quiso con ella relanzar su carrera cinematográfica, pero visto lo visto no creo que lo consiguiera, aunque seguro hay quien piensa que sí pues lo verán como un héroe de acción algo que ya hizo en "Sim City" o en "Hijos de los hombres". Sin embargo en la película que nos ocupa conservo esa imagen de tipo duro aunque desde la óptica histrionica y absurda del papel que asume. Le acompañó en la misma la incombustible y bellísima Monica Bellucci quién regreso a Hollywood tras un productivo periodo trabajando en películas de producción europea. La actriz Monica Belluci optó por doblar su voz en las versiones francesa e italiana del filme. 

Lo cierto es que ambos, incomprensiblemente, se pusieron a las órdenes del director Michael Davis.

 Aunque la revista Variety señaló en su momento que el filme estaría previsto para el habitual estreno navideño en este caso de 2006, lo cierto es que eso no fue así, tardando casi nueve meses más. En los meses previos a su lanzamiento, Shoot 'Em Up fue promocionada a través de varios medios sutiles. A partir de julio de 2007, la película fue publicitada con una campaña de marketing realizada por la agencia londinense New Media Maze. La campaña incluyó un video viral y un sitio web que ofrecía productos ficticios, entre los que se incluían coches para bebés a prueba de balas y cascos antimotines para niños. Un video fue lanzado en YouTube en el cual la compañía decía haber probado el coche antibalas al dispararle con un subfusil mientras un bebé se encontraba dentro. El bebé resultaba ileso. Sin embargo, todo era una broma, pero la campaña fue tomada seriamente por los medios de comunicación y varios blogs. Por ejemplo, uno de los tabloides más importantes de Suecia, el Aftonbladet, tuvo la historia como su artículo principal en su sitio web. 

En agosto de 2007, se empezaron a transmitir anuncios televisivos para la película, los cuales incluían la canción "House of Wolves" de My Chemical Romance. 

Salvo en la semana de su estreno, en la que el filme ocupó la cuarta posición en la taquilla durante su fin de semana de estreno, ganando $ 5 450 000 tras su proyección en 2108 salas de proyección, la respuesta del público fue fría así como de los críticos. 

El sitio web WorstPreviews dijo entre otras cosas que " la película no es nada más que un gran tiroteo . . . Mientras algunos no veían nada malo con esto, el problema es que el guion se inició con los tiroteos y entonces se le añadió un argumento, no al revés". 

Sin embargo, la recepción de la audiencia a una proyección en el San Diego Comic-Con fue mucho mejor. Las opiniones de los críticos estuvieron divididas. 

Variety describió la película como "violenta y vil en igual medida", pero "demasiado audaz estilísticamente como para ser despedida inmediatamente". The Hollywood Reporter fue más ambiguo en su crítica, diciendo que "cualquiera buscando sutileza, desarrollo de los personajes o un guion bien estructurado estará desilusionado, pero los fanáticos de la acción tendrán bastante con que divertirse con este filme que hace que Hard Boiled parezca recatada", y que el filme era "bueno e innegablemente divertido". 

Peter Travers de Rolling Stone alabó el filme, y llamándole un "Este sueño húmedo para todo adicto a la acción deja fuera toda la lógica y las motivaciones; ya saben: todo lo aburrido. (...). También dijo que era "La más audaz, imposible, alegremente ofensiva y hiperactiva película de acción que he visto desde, ¡oh!, 'Sin City', que en comparación con ésta era un drama de cámara. (...) 

Tomando una opinión opuesta, Michael Phillips del Chicago Tribune le reprochó la crueldad del filme y tildándolo de "asqueroso", "vil" y "necio". 

A. O. Scott del The New York Times fue más allá afirmando que era "Un montón de basura sin valor que no merece la pena." 

Roger Ebert en su crónica del Chicago Sun-Times dijo de ella que era "La más audaz, imposible, alegremente ofensiva y hiperactiva película de acción que he visto desde, ¡oh!, 'Sin City', que en comparación con ésta era un drama de cámara. (...) 

Y Claudia Puig en USA Today dijo más o menos lo mismo. "Aunque algunas secuencias son alucinantes y el humor negro puede resultar entretenido, se siente como un ejercicio de estilo con una violencia absurdamente excesiva. (...) 

Por último Jonathan Rosenbaum en la prensa norteamericana comentó en su columna del Chicago Reader que "Ciertamente uno puede entretenerse con esta hiperbólica juerga de acción; a mí me pasó, pero no sin sentirse bastante vacío y tonto." Para el 26 de mayo de 2008, el sitio web de crítica cinematográfica Rotten Tomatoes muestra a Shoot 'Em Up con un rating de 66 % basado en 155 críticas y con un rating promedio por crítico de 6.2/10. 

En España, Federico Marín Bellón en el Diario ABC afirmaba que "Si uno le quita el seguro a las ganas de reír y se une al festín de exageraciones y balas, no le resultará difícil degustar su sobredosis de hallazgos y chistes visuales por minuto (...) ." 

Mientras que en Fotogramas David Broc sostenía que era un "Espléndido pasatiempo (...) un auténtico festín de acción inacabable, violencia por el morro y un altísimo sentido de la autoparodia (...)."

Para Juan Luis Caviaro , editor de blog de cine, "Parafraseando al Sr. Smith de 'Shoot´Em Up', lo que más odio es salir del cine insatisfecho, pensando que me he equivocado, que tenía que haber ido a otra, que me han prometido diversión y me he aburrido soberanamente" Y prosigue "Los chistes malos y las frases típicas y tópicas están bien, si se usan bien, ocasionalmente, pero llenar toda la película sólo con eso es absurdo. De vergüenza ajena algunas líneas" Y concluye " 'Shoot ´Em Up' es una aburrida ensalada de tiros sin sentido, sin gracia, sin fuerza, que desaprovecha a dos buenos actores y a una bellísima mujer que cuando quiere (y la dirigen bien) también puede actuar. Este Bugs Bunny disparando a diestro y siniestro no tiene el mismo efecto en el espectador que en sus víctimas. Una película muy mala". ; 

Yo por mi parte os diré que no perdáis un minuto en esto, aunque aparezca en ella un actor sin carisma como Clive Owen, adecuado para la publicidad de un wisky JB y poco más, el siempre magnífico Paul Giamatti - aquí un esperpento de lo que es- o la "bellísima" Mónica Bellucci. Hay escenas que no me han podido resultar más ridiculas como los ataques con las zanahorias o la respuesta de Smith con su arma mientras hace el amor con Donna. Hay momentos en los que el director se merece un  azote no como los que da una madre a su hijo en el museo, sino los que él debería haberse  llevado por haber hecho algo parecido a una película o ese comentario sacado de una obra filosófica diría yo "Odio a estos gilipollas cuarentones con coletita. La coleta no te hace parecer moderno, joven ni guay” o ese repetir cansino de "¿sabes lo que más odio?" .

Decían las crónicas que la película iba de un misterioso señor Smith un tipo duro y de mal carácter que un día se ve obligado a hacerse cargo de un bebé objetivo de una peligrosa banda de criminales que capitanea el implacable mafioso Hertz . Sin embargo, el mal carácter te entra tras unos minutos de su visualización. Estaba claro desde el principio que la película de Davis podía ser un riesgo viendo las dificultades planteadas inicialmente por los productores a los que finalmente convenció, sin embargo, desde mi óptica director y actores cayeron por el precipicio con este fracaso en taquilla. En España, en donde por cierto la película se llamó "En el punto de mira" este supuesto producto cinematográfico paso desapercibido por las salas de exhibición y no me extraña. Menudo coñazo.


miércoles, 28 de septiembre de 2016

Cure


Ayer comenzó para mi el Club de cine, una actividad que programa la Filmoteca de Andalucía desde hace ya seis temporadas. Mi intención a la hora de integrarme en dicho club no era otra que aprender de lo mucho que saben aquellos tras mucho tiempo asisten no sólo al cine, sino que reflexionan sobre lo que han visto. Es algo más que aquellos cursos sobre el análisis textual de la imagen realizada en los noventa.

Tras una breve presentación en la que participó el director de la Filmoteca Andaluza , así como María Jesús, la coordinadora del club, la palabra fue tomada por el crítico de cine profesional Santiago Gallego. Según comentó éste las actividades que se van a desarrollar una vez por semana   o, al menos, en las que él participa,  podremos encontrar una serie de películas que serán presentadas sin información previa, en el formato de sesión sorpresa. Igualmente nos comentó que en esta temporada del club tendría cabida, según  nos explicaron en la inauguración,  desde películas de largo formato, hasta el cine documental, pasando por mi adorado cine mudo y también habrá un lugar para la animación.

En el día de hoy, la película sorpresa con la que se abrió este año el club ha sido una película japonesa presentada bajo el título Kyua,  aunque vendida internacionalmente como Cure, La película  se publicita en su edición en DVD en España como "La obra maestra del cine de terror japonés" y tiene como protagonista a un comisario de policía que investiga a un supuesto asesino en serie que marca a todas sus víctimas con una X en el cuerpo.

Con la misma he conocido la obra del director Kiyoshi Kurosawa, director japonés que nada tiene que ver con el gran Akira Kurosawa, salvo la coincidencia de apellido,

El director nacido en Kobe diez años antes que yo está condicionado por su propia formación como sociólogo. Nos comentó Santiago que este Kurosawa, al igual que otros muchos directores de su generación se formó en el cine de 8 mm , así como en un género muy tradicional en Japón , el de “pinku eiga”, películas de contenido erótico o X , cine softcore.

Tras conocer a un productor importante en el cine japonés como Juzo Itami realizó junto a él Sweet Home (1989), película de la que nació el videojuego del mismo nombre que inspiró a su vez la popular serie de videojuegos Resident Evil (Biohazard).

En 1992 Kiyoshi Kurosawa consiguió una beca del Sundance Institute con el guion original de Charisma (1999) gracias a la cual estudió dirección en Estados Unidos, curiosamente nos dijo el crítico que, a pesar de su formación en los EE.UU, su cine tiene mucho más que ver con el estilo del cine europeo.

Tras su vuelta a Japón, realizó la serie de películas televisivas Shoot Yourself (Katte ni shiyagare!!) (1996-97) protagonizadas por Sho Aikawa, y estableció las bases de su singular estilo. Cure (1997), precisamente, fue su primera obra reconocida internacionalmente: tras su paso por el Festival de Cine de Rotterdam y que se proyectó en algunos de los festivales de cine más importantes del mundo. Muchos de ellos organizaron una sesión especial dedicada al director.

Algunas de sus obras denotan la impronta del cine de terror de los 70 y de hecho en alguna entrevista Kiyoshi Kurosawa ha confesado su admiración por las películas de la Hammer y por directores como Tobe Hooper y John Carpenter, pero también en Cure o Charisma ha sentado un estilo personal a partir de su inclinación hacia las descripciones apocalípticas y a los temas de identidad y de aislamiento social.

Kiyoshi Kurosawa colaboró como supervisor en algunas películas de thriller y / o terror que han marcado el cine japonés desde los noventa, casi desde The Ring de Hideo Nakata, como La Maldición (Ju-on) (2003) de Takashi Shimizu.

Tras el estreno de Pulse (Kairo) (2001) en los Estados Unidos fue nombrado “Godfather of J-Horror” (el Padrino del horror japonés). Hoy, es reconocido internacionalmente como el “otro Kurosawa”. De su filmografía también destacan Seance (Korei) (2000), Pulse (Kairo) (2001), que ya cuenta con un remake norteamericano Pulse; Bright Future (Akarui Mirai, 2003), presentada a competición en el Festival de Cannes 2003; Doppelganger (2003); Loft (Rofuto) (2005) y Retribution (Sakebi) (2006), presentada en el Festival de Cine de Venecia 2006.

La autoría del  guión es del mismo director Kiyoshi Kurosawa , mientras que la música - aunque en la misma actua más como algo en el fondo casi inaudible corresponde a Gary Ashiya. La fotografía , uno de los grandes aciertos es de Tokusho Kikumura, mientras que el complejo montaje lo fue de Kan Suzuki. Las productoras Code Red y Daiei Studios tuvieron a bien invertir en ella un millón de yenes.

El reparto está formado por Kôji Yakusho como Takabe, Masato Hagiwara como Mamiya, Tsuyoshi Ujiki como Sakuma, Anna Nakagawa como la esposa de Takabe, Yoriko Douguchi el Dr. Akiko Miyajima, Yukijiro Hotaru como Ichiro Kuwano, Denden como Oida, Ren Osugi como Fujiwara, Masahiro Toda como Tōru Hanaoka. se suman Misayo Haruki, Shun Nakayama, Akira Otaka

La película comienza con una lectura por parte de la esposa de Takabe ante un médico. Se encuentra leyendo en un centro psiquiátrico el inicio de un cuento de Perrault, Barba Azul que nos anuncia que en la película hay un asesino en serie y que en la misma las mujeres se encuentran en una situación de debilidad.

Casi de inmediato tiene lugar un asesinato. Muere una prostituta a manos de un cliente, un hombre aparentemente normal y que , sin motivo aparente, golpea salvajamente a la chica y finalmente le corta el cuello con  arma blanca en forma de "x" .

El caso se le ha asignado al inspector de policía Kenichi Takabe que investiga estos extraños asesinatos, pues ya son varias las mujeres que han aparecido con este tipo de herida. Lo grave es que los culpables son personas totalmente normales sin ningún motivo para haber cometido el asesinato.

Kenichi Takabe ( Koji Yakusho ) es un detective de la policía reprimido emocionalmente con una mujer mentalmente inestable.

En todos los casos los asesinos son atrapados cerca de la escena del crimen, y aunque fácilmente confiesan haber cometido los crímenes, nunca tienen un motivo sustancial y no pueden explicar lo que condujo a matar. Takabe empieza a sospechar que algo está influenciando a la gente para matar...

El policía irá estrechando cada vez más el cerco al asesino, y pronto descubrirá, y con él un sorprendido espectador, el poder hipnótico que éste tiene sobre la gente, logrando que cualquiera pueda cometer un crimen, extendiéndose igual que si fuera un virus.

Takabe, detective de la policía observa como cada víctima es asesinada de forma similar con la  X grabada en su pecho, pero el autor parece ser diferente cada vez. En todos los casos atrapan al asesino cerca de la escena del crimen, y aunque confiesan fácilmente la autoría del asesinato, no tienen ningún motivo aparente y a menudo no pueden explicar adecuadamente qué los condujo a matar.

Takabe, junto con un psicólogo llamado Sakuma ( Tsuyoshi Ujiki ) finalmente determina que un hombre es el hilo común entre los asesinatos, ya que cada persona que entra en contacto con el comete un asesinato poco después, posiblemente por hipnosis.

En uno de los asesinatos, el primero que vemos desde su planeamiento realizado por un aparente inofensivo profesor de instituto, instigado por un hombre que parece no tener recuerdos y que acabará siendo identificado como Mamiya.

Mamiya parece tener una pérdida extrema de la memoria a corto plazo; se confunde constantemente sobre qué día es, dónde está, y cuál es su nombre. Tras el asesinato cometido por parte del profesor hacia su mujer Takabe descubre que Mamiya es el nexo común entre los asesinatos, pues cada persona con la que entra en contacto comete un asesinato poco tiempo después.

Takabe logra localizar a Mamiya tras su paso por un sanatorio, pues tras ser detenido por un policía insta a éste a acabar con su compañero de comisaria, cuando él ya se encuentra en el centro psiquiátrico.

Takabe investiga al desconocido  Mamiya ( Masato Hagiwara ) que comienza a ser interrogado. Descubrimos que aparentemente Mamiya no posee recuerdos de su pasado, pero que también contrarresta constantemente interrogatorio de Takabe con preguntas evasivas con respecto a la identidad del que le pregunta , incluso a Takabe.

Esto conduce al policía Takabe a desquiciarse y parece perder la cabeza y los nervios gradualmente acabando con su calma inicial. La inutilidad de las entrevistas comienza a afectar la psique de Takabe ya que se vuelve más y más volátil, teniendo  violentos ataques de ira de vez en cuando. En varios ocasiones ha de intervenir el médico que asesora a Takabe en esta investigación.

Después Takabe logra averiguar algunos cosas sobre Mamiya,y encuentra que estudió hipnosis y mesmerismo, pero no puede entender cómo Mamiya puede convencer a los demás para que se conviertan en asesinos.  Tras localizar su apartamento  donde se refugia una vez abandonados sus estudios universitarios de psicología descubre que Mamiya además de ser estudiante de psicología y que se obsesionó con el estudio de Memer,  el mesmerismo y la hipnosis .

Takabe asume que Mamiya no tiene problemas de memoria, y que es más bien un maestro de la hipnosis, capaz de plantar sugerencias criminales en las mentes de extraños al exponerlos a los sonidos repetitivos, el movimiento del agua, o la llama de un mechero.

Aunque le cuesta trabajo creerlo, Takabe descubre que no sólo Mamiya no tiene ningún problema de la memoria, sino que también puede ser un hipnotizador experto, controlando las acciones de la gente simplemente exponiéndolas a lo dicho anteriormente: sonidos repetitivos, movimiento o desplazamiento del agua  o con la llama de un encendedor.

A la vez, el Doctor Sakuma encuentra una cinta de vídeo en la que aparece la primera grabación cinematográfica de una sesión de hipnotismo por parte de un seguidor japonés de Memer con una chica , calificada como hisptérica por parte de un hombre misterioso, se especula que es el originador del mesmerismo, hipnotizando a una mujer por medio de gestos un aire "X". Sakuma muestra el vídeo a Takabe en su casa.

Después de mostrar la cinta, vamos descubriendo que el mismo Sakuma parece haber quedado afectado por lo visto y que inconscientemente ha dibujado una X en la pared  de su casa, y comienza a experimentar alucinaciones, algo que también empieza a sufrir Takabe.

Varios días después, la policía descubre el cuerpo de Sakuma en su casa, y llegan a la conclusión de que se ha suicidado.

Mientras tanto, Mamiya es encarcelado y acusado de incitación al asesinato. Takabe visita en varias ocasiones al detenido. Mamiya también encuentra a Takabe fascinante, posiblemente porque Takabe parece ser inmune a las energías sugestivas de Mamiya  y porque no puede forzar Takabe para matar. . Cuanto más investiga Takabe a Mamiya, más siente que puede estar a punto de volverse loco. De hecho, Takabe tiene visiones de su esposa ( Anna Nakagawa ) muerta, sin embargo,  cuanto más estudia a Mamiya, Takabe siente que podría estar perdiendo su mente.

Takabe cada vez se siente más frustrado e impotente ante la demencia de su esposa e incluso expresa o sienta la necesidad de asesinarla en un momento dado.

Cada vez presenta un grado superior de extraño comportamiento y las preocupaciones acerca de su propia estabilidad mental y la de su esposa le llevan a llevarla a un hospital mental.

Cuando Mamiya escapa, matando a un policía y un médico en el proceso, Takabe lo sigue a una casa abandonada  o edificio en una llanura inhóspita y en  mitad de la nada en la que pudo ser la sede de los seguidores de Memer a inicios del siglo XX. Cuando Mamiya escapa,  Takabe lo sigue a un  abandonado en el desierto y le dispara.

En las escenas finales de la película, se ve como le pide a una camarera de repente un cuchillo, listo para matar a su supervisora después de hablar con Takabe, lo que sugieren que el propio Takabe se ha convertido en el maestro hipnotizador que en su momento era Mamiya , y que está llevando a cabo el extraño trabajo de Mamiya. Acabando así la película.

La película fue rodada en la provincia de Chiba, en concreto en Shirasato Beach ( en Shirasato, Chiba) y Shiomicho Hospital, en Shiomi-cho, Choshi, Chiba, y también en Chuo Park, así como en Kawasaki, en la provincia de Kanagawa.

La película se estrenó en Japón el 27 de diciembre de 1997. Curiosamente, es una película sin créditos a inicio salvo el título y que , al final, los mismas aparecen tras una imagen rasgada.

Las críticas fueron en general favorables. Tom Mes de la revista Midnight Eye , revista digital sobre el cine japonés, describió la película como "una película de terror en el más puro sentido de la palabra".

Mientras tanto, en los Estados Unidos AO de Scott de The New York Times señaló que Kiyoshi Kurosawa "convierte la película de suspense en un vehículo para la crítica social sombrío. "

Scott Tobias de el AV club dijo:" Kurosawa, un estilista prolífico que se ha especializado en los thrillers de bajo perfil y en las películas de terror, socava el material morboso manteniendo una distancia fría, casi clínica, de los acontecimientos y el despliegue de la historia en piezas elípticas ".

En 2012, el director de cine de Corea del Sur Bong Joon-ho consideóa que  la película como una de las mejores películas de todos los tiempos.

En Asia red se publicó que  “Con “Cure” (1997) Kurosawa asentaba las bases de su obra, creando no sólo un estilo sino un género propio con inquietudes filosóficas, a la vez que abría las puertas de Occidente cosechando por vez primera el éxito internacional.”

Para  Jonathan Rosenbaum que escribe en Chicago Reader la película "Es poco satisfactoria como una historia precisamente porque aspira a crear un sentido de montaje de temor mediante la ampliación de preguntas en lugar de responder a ellas"

En la revista Variety,  David Rooney comenta que "El tono y la atmósfera espejo sujeta a la perfección  el viaje hipnótico de Kiyoshi Kurosawa en los bajos fondos de la mente humana".

En Letras de cine  “Los quiebros de “Cure”, sus saltos narrativos en esta película que combina el thriller y el terror, el drama psicológico,  la tragedia y  la desesperanza se convierten en el sello inconfundible del realizador”.

Alberto Abuín , editor en blog de cine, afirma que "Creo que fascinación es una palabra que define muy bien el modo de hacer cine de este señor; sus films son realmente atípicos, a contracorriente incluso dentro del cine oriental, y provocan en mí tal poder de sugestión que me tienen enganchado a la pantalla durante toda la película. 'Cure' es uno de esos títulos y recomiendo encarecidamente su visionado" Y prosigue diciendo "Kurosawa marca al film con un ritmo lento, pero preciso y al igual que su personaje va introduciendo al espectador en una especie de hipnosis visual, procediente de su calculada, limpia y precisa puesta en escena. Estamos ante un film que avanza muy despacio, casi sin que lo percibamos, y ahí radica gran parte de su atractivo."

Por otro lado, y una vez más, Kurosawa incide en temas ya expuestos en su cine, la soledad y la incomunicación, constantes éstas que parecen sello de la casa.

'Cure' es una película bien terminada, perfilada en sus intenciones, y disfrutable desde el punto de vista de querer conocer el sello inclasificable, pero totalmente personal, de un autor absolutamente increíble, y que al igual que su historia, produce un gran poder hipnótico en el espectador.

Nos encontramos con una película estupenda, con algún que otro momento "fuerte" muy conseguido, y que deja un final abierto que provoca el debate.

La película está protagonizada por Kôji Yakusho, el actor fetiche del director, y que cumple sobradamente en su papel de policía. Es uno de esos films que pare verlos tenéis que recurrir a métodos "no oficiales". Una maravilla que merece la pena.


Yo, por mi parte sigo indagando en este Kurosawa. He visto la película más como un gran thriller psicológico enraizado con el cine fantástico, e incluso con ciertas pretensiones de lo que antiguamente se llamaba cine "de mensaje". Al director técnicamente le gustan las escenas largas y planos inacabables, trabaja bien el tema de los personajes que están muy logrados, u aunque sean pocos, vemos notablemente como sufren fuertes transformaciones a lo largo del metraje, lo que enriquece  la historia.

La fotografía muy realista, con encuadres fijos, planos largos, ritmo pausado y  cuidada ambientación en base a un guión bien desarrollado, personajes muy ricos, encarnados por actores muy competentes, un contenido que invita al espectador a la reflexión... Quizás se trate de un problema de puesta en escena.

Durante el debate posterior a la película se señaló el vínculo del actor con algunos directores como David Lynch  o David Fincher  debido a su capacidad perturbadora  , aunque el estilo de la dirección de Kurosawa ha sido comparada con la de Stanley Kubrick y  Andrei Tarkovsky, y el japonés sí ha reconocido en alguna entrevista que sí estaba influido por Alfred Hitchcock y Yasujiro Ozu.


En “Cure” hay muchos espacios en blanco, fríos, gélids en renglones con líneas invisibles. Rellenarla no es cuestión del guión ni del avance en la trama por parte de los personajes sino por el propio espectador. No hay trampa pero sí se admiten numerosas posibilidades. El mesmerismo, la hipnosis pretende ejercerla sobre el propio espectador para que a través del pasado pueda descifrar parte del futuro. Tanto el pasado como el presente de la investigación es difuso por lo que el resultado final es un filme tan desconcertante como oscuro, en la que el asesino actúa como un mesías, un profeta, encargado de expandir la supuesta cura.

Tras el debate en el cineclub Santiago González nos mandó una reflexión sobre un par de escenas. Se habló de una determinada escena en concreto dentro del plano del autobús "flotante", entre nubes, que Kiyoshi Kurosawa utiliza como metáfora visual de la "liberación" del protagonista. El plano va incluido dos veces, la primera, con su mujer, instantes antes de anular el viaje de vacaciones e ingresarla en el psiquiátrico. La segunda, a solas, se inserta justo antes de entrar en la casa abandonada donde se reencontrará con Mamiya. Este segundo inserto podría estar aportando información de que cuando acude al encuentro con Mamiya ya ha matado a su mujer y se ha "liberado". Esta información, que el director nunca explicita, podría quedar enunciada con este recurso puramente visual: mismo plano, exacto encuadre, pero pasamos de una pareja a un individuo solo. 

En Cure como en muchas de las películas de este otro Kurosawa  se aborda como la sociedad da forma al individuo  en ocasiones obsesionados con algún proyecto excéntrico, o cómo los mecanismos sociales se desintegran cuando se enfrenta a lo irracional como ocurre en esta película. Parece que Cure es el mejor ejemplo a la hora de interpretar e integrar estos conceptos en la película.  Para concluir reconozco que sí, que me gustado.





lunes, 26 de septiembre de 2016

La llave del mal


Las  zonas bajas y pantanosas de Lousiana y otros estados del sur de los Estados Unidos han sido lugares tan extraordinarios por su belleza, tan incontrolables por su naturaleza y tan crueles en ocasiones dada la tendencia de los seres humanos capaces de hacer daño a los demás por cuestiones tan simples como la ignorancia, el desconocimientos o tan brutales como el racismo.  Lo cierto es que en ese espacio ha habido una fértil literatura cinematográfica o televisiva que nos lleva a contemplar historias de terror en este "Deep South". En el recuerdo tengo Corazón de Ángel o , más recientemente, la tercera temporada de American Horror Story centrada en el mundo del Vudu, en el pasado esclavista y en el concepto de eclecticismo religioso surgido de la fusión de la cultura vreale, la africana sobrellevada y la puritana o la más reciente True Detective. 

El cine entendido como negocio vio en estas buenas referencias culturales una mina a las que se podían sacar provecho a través de la vía del cine de terror. Eso es lo que hemos visto en The Skeleton Key también conocida como La llave Maestra o La llave del Mal, una película de terror y vudú del año 2005. 

La película fue dirigida por el inglés Iain Softley que también participa como productor y guionista que ya participó en la dirección de películas como Corazón de tinta, Hackers, K Pax, entre otras En la producción junto a Softley se encuentra Daniel Bobker, Michael Shamberg y Stacey Sher que invirtieron en ella por medio de la Universal Studios y su distribuidora Universal Pictures más de $ 43 millones que recuperaron en taquilla al obtener unos $ 92 millones de dólares.

En el apartado técnico participan igualmente la música de Edward "Ed" Shearmur y la fotografía de  Daniel Mindel.

El reparto lo encabezan Kate Hudson como Caroline Ellis,  Gena Rowlands como Violet Deveraux,  John Hurt como Benjamin Deveraux , Peter Sarsgaard como  Luke Marshall , Joy Bryant como Jill Dupay,  Isaach de Bankolé como el negro dueño de la gasolinera creole,  Maxine Barnett como Mama Cynthia Fahnlohnee,  R. Harris como Hallie , Marion Zinser como la mujer mayor Bayou.

Caroline Ellis (Kate Hudson) es una chica que trabaja en un hospital gerontológico como enfermera y como acompañante en los últimos momentos de aquellos enfermos mayores que no tienen a nadie en sus últimos días. La descubrimos leyendo a un señor mayor una obra y mientras ella lee el señor parece morir dulcemente.

Tras la muerte sigue el protocolo habitual de recoger las cosas del finado para que se lo lleve la familia, pero en este caso como otros muchos no se persona nadie y lo va a tirar a un contenidor que, a su vez, está llenos de otras cajas del hospital con los últimos recuerdos de los fallecidos.

Ante el abatimiento que le supone ver lo mucho que pasan los familiares de sus enfermos decide abandonar su trabajo de enfermera en una clínica, y buscar otro trabajo mientras se desplaza en autobús a su casa. Durante el trayecto Caroline (Hudson) ve un anuncio que parece interesarle. Esa noche sale con su amiga Jill Dupay (Joy Bryant)  y van a un pub donde bailan , beben y se divierten. Ella le comenta que va a tomar ese trabajo, aunque su amiga le pide que ni se lo plantee pues está en un área muy alejada y llena de cocodrilos en lo que viene a ser la Lousiana más profunda.

Va a la entrevista y allí es recibida por  Luke Marshall (Peter Sarsgaard) el abogado de la familia Deveraux. Éste le comenta que lleva los temas legales de la casa y que su misión allí es cuidar de  Benjamin Deveraux  (John Hurt), un señor mayor que ha tenido un iptus que lo ha dejado paralizado en una silla de ruedas , sin movilidad ni habla alguna. Benjamín está al cuidado de su mujer Violet Deveraux (Gena Rowlands) una vieja gruñona que interviene en todo y limita el trabajo de Caroline.

Finalmente y , a pesar de ciertas dudas, es contratada para cuidar al anciano que ha sufrido una embolia, aunque la esposa de éste (Rowlands) la acoge con bastante recelo. El matrimonio vive en una siniestra mansión sureña en las afueras de Nueva Orleans, en el delta del Mississippi (Louisiana).

Allí se aloja en una habitación en la que no hay espejos como ocurre igualmente en toda la casa. Intrigada por las extrañas costumbres de la enigmática pareja, Caroline decide explorar la casa. especialmente cuando la mujer le pide que suba a una habitación, descubriendo que tras la misma hay otra puerta que no para de sonar , pero que no logra abrir.

Más tarde se hace una llave maestra que lleva siempre Violet y empieza a abrir todas las puertas hasta que descubre un desván que encierra un terrible secreto, pero que la joven no parece temer pues es ante todo una persona de fuertes convicciones cientificas y una escéptica.

Lo cierto es que cada vez tiene más dudas sobre Violet y sobre todo de Ben, el marido de Violet, que a pesar de ser un anciano y de haber tenido una embolia mientras estaba en el ático de una gran casa en Torreborne parece querer comunicarse con ella.

Cuando Caroline sube al ático después de observar el extraño comportamiento de Ben, que le agarra con fuerza el brazo y en otra ocasión parece querer decirle algo. Así comenzará a replantearse su escepticismo ante lo que ocurre en el sur profundo, pues ella ha vivido siempre en New Jersey de donde es originaria.

Caroline  comenta sus dudas iniciales a su amiga Jill que le da cierta información sobre el mundo espiritual que se ha vivido tradicionalmente en el fondo de los pantanos del sur de Louisiana y que parece revitalizarse en una casa de la plantación aislada donde viven los Devereux .

La señora de la casa, Violet Deveraux, por un lado, va ganando la confianza de Caroline, pero en ocasiones se muestra muy celosa de la cercanía que parece sentir hacia el marido Benjamin.

Una noche de tormenta a pesar de que Benjamin ha sido víctima del accidente cerebrovascular que ya hemos comentado éste se sube al tejado y parece tener intención de huir. Lo cierto es que cae al suelo desde el techo, pero no sufre grandes heridas. De cualquier manera Violet parece temer un trágico desenlace pronto.

Por otro lado, gracias a Jill y al abogado de las propiedades de la familia, Luke Marshall (Peter Sarsgaard), parece tranquilizarse. De cualquier manera Caroline pronto se da cuenta que la mansión tiene un pasado oscuro especialmente cuando en el trastero encuentra unas fotografías, muñecas, un libro de hechizos, frascos de pociones, y otros instrumentos de magia negra.

Violet le dice a Caroline que la habitación pertenecía a dos sirvientes de la casa que habían trabajado en ella en la década de 1920. Se trataba de Mamá Cecile (Jeryl Prescott) y su esposo, Papá Justifi (Ron McCall) que fueron en su días, representantes de renombre de una forma de magia popular afro-caribeña.

Violet le cuenta a Caroline que un día mientras se celebraba una fiesta de los dueños de la casa. A día fiesta acudió la jet set de la zona. En un momento dado, antes de marcharse algnos invitados buscaron a los hijos de los dueños de la casa que son descubiertos con los criados haciendo magia negra. Tras eso la pareja, fue linchada  y quemados vivos.

Una vez informada por Violet que  también le dice a Caroline que no guardan espejos en la casa porque ven el reflejo de los criados en ellos.

Caroline esta intenta encontrar respuestas acerca de la magia Hoodoo, que parece ser la causa de la enfermedad de Ben, Ante esto Caroline sale en dirección a la ciudad y antes de llegar para en una estación de servicio local donde ve artefactos de Hoodoo. La anciana en la gasolinera le comenta  a Caroline uno de los conjuros Hoodoo más poderosos, el Conjunto Primavera del Sacrificio. Precisamente Caroline había descubierto una grabación en un disco de un  registro con ese título escrito en él, y siente que puede tener algo que ver con la enfermedad de Ben. La anciana le dice a Caroline que este poderoso hechizo podría dar lugar a la inmortalidad, si se realiza un sacrificio y el hechicero recibe elementos de la  vida de una víctima.

Ya en su casa escucha el disco y ese acercamiento al Hoodoo asusta a Jill que a pesar de ello le da alguna información sobre el Hoodoo y como afrontarlo. Caroline está convencida de que Violet tiene mucho que ver. Siguiendo el consejo de su amiga Jill ( Joy Bryant ), se va a un local adjunto a una lavandería , ya que sabe que tiene una tienda de Hoodoo oculto, para adquirir una defensa para Ben. La practicante le enseña un ritual con los objetos que ha de utilizar para limpiar la enfermedad de Ben.

Cuando llega Caroline practica el ritual, y Ben recupera algo de su capacidad de hablar, y le pide a Caroline alejarlo de Violet, escondiéndole en un chozo. .

Después de un fallido intento de salvar a Ben de las manos de Violet, Caroline huye en barca y busca la ayuda en el joven abogado Luke.

Luke está con Caroline cuando se enteró de la Conjura de sacrificio y se da cuenta de la sospecha de Caroline sobre Violet. Mientras está  en la casa de Luke, Caroline descubre algunos detalles que vinculan la connivencia existente entre  Luke y Violet. Ante el horror de Caroline que intenta huir,  Luke la captura, y la conduce de vuelta a la mansión.

Ahora  Caroline se encuentra en cautividad, pero se las arregla para liberarse y echa polvo de ladrillo por toda la casa, que según la tradición Hoodoo mantiene alejados a los que representen una amenaza . El polvo de ladrillo logra mantener a Luke a distancia, pero Violet llega a Caroline y sopla un polvo en los ojos (probablemente el polvo Goofer) que distorsiona su visión.

Después de una breve lucha con Caroline esta logra empujar a Violet por la escalera y le rompe las piernas.

Con Luke y Violet ya la planta baja, Caroline huye para encontrar que en la habitación secreta se ha establecido algún tipo de ritual. Caroline sigue las instrucciones que vienen en  un pedazo de papel que arrancó de un libro de Violet antes, y forma un círculo protector alrededor de ella. Resulta que el hechizo de protección era un truco destinado a la captura de Caroline en lugar de protegerla.

Violet arrastrándose ha logrado subir las escaleras y entra en la sala y explica que la magia Hoodoo sólo funciona en aquellos que creen en ella, y "ellos" han estado esperando a que ella crea. Caroline se da cuenta de que era ella la que, de hecho, estaba en peligro y no Ben.

Caroline trata de negar el hecho de que ahora cree en el Hoodoo, pero no puede convencerse. Violet acerca un espejo a Caroline, que contiene la imagen, al principio de la niña, pero también de Violet y en última instancia, de Mamá Cecile. El espejo se estrella contra Caroline, dejándola inconsciente.

Caroline se despierta y se acerca a Violet, que apenas se despierta. Se revela que el alma de Mamá Cecile está dentro del cuerpo de Caroline, y que Caroline y su alma están ahora en el cuerpo envejecido de Violet. El cuerpo de Luke se revela ahora que está poseído por el alma de Papa Justifi. , aunque previamente había estado en Ben, que anteriormente fue la sede de el alma de Papa Justifi, se revela como el verdadero Luke.

Mamá Cecile da a Caroline un líquido que hace que limite sus movimientos. Esto le impide hablar, por lo que no puede revelar la presencia de mamá Cecile y papá Justifi.

Ahora los cuerpos de "Ben" y "Violet" salen de la casa en una ambulancia , mientras que "Caroline", o Mamá y Luke o Papá Justifi van a seguir ocupando la casa.

Cuando la amiga de Caroline, Jill , llega a la plantación, Luke le informa que Ben y Violet salieron de la casa de Caroline, permitiendo así que Mamá y Papá Cecile y justificando el continuar ocupando la casa.

La película termina con Caroline y Luke mirándose  el uno al otro sin poder hacer nada, atrapada en  los cuerpos envejecidos y agonizantes de Violet y de Ben.

Ahora se entiende que  "Mamá Cecile" y "Papa Justifi" que fueron linchados originalmente después de realizar el mismo hechizo con los niños, aunque en realidad los que fueron linchados fueron los niños ya que el cuerpo de los mismos fueron ocupados por Mamá Cecile y Papá Justifi.

La película se rodó en la histórica Felicity Plantation, ubicada en las cercanías del río Mississippi, en Saint James Parish (Luisiana), y no en la costera y pantanosa Terrebonne Parish. La vista aérea de la casa y de sus terrenos que se ve al final de la película, se hizo realmente con tecnología CGI. En esa vista panorámica, la casa y el bosquecillo de árboles que lo rodean son reales, pero el pantano que parece estar al borde de la casa fue creado por el director para la película. En su lugar, en realidad, hay cientos de hectáreas de campos. 

La película se estrenó en los cines del Reino Unido el 29 de julio de 2005, y en los Estados Unidos el 12 de agosto de 2005.

La película recibió críticas mixtas por parte de los críticos, la mayoría alabando la premisa y la atmósfera, pero criticando o denunciando el guión y sobre todo el final.

En Rotten Tomatoes el 39% de críticos dio comentarios positivos, sobre la base de 142 comentarios. y en Metacritic informó de 47% con una puntuación de 6.2, basado en 32 opiniones.

En su guía anual de cine, Leonard Maltin considera que  la película es mediocre, afirmando que la película estaba "bien producida y ocasionalmente genera suspense, pero poblado de personajes desagradables y una historia que se mueve muy lentamente. "

Marsha Porter escribió: que la película tienen " unos buenos sustos no pueden compensar un ritmo más lento, y el giro culminante que viene como una sorpresa ".

Stephanie Zacharek escribió en Salon," Softley, trabajando con un guión de Ehren Kruger (The Ring dos), pone tanto cuidado en capas de estados de ánimo y las texturas que no siempre se centra en la acción "

Moira McDonald escribió en The Seattle Times que la película era de esas que " de vez en cuando daba miedo, pero más a menudo tonta . ".

Scott Brown de Entertainment Weekly dijo de la película" Para cualquier persona zombificado por los clichés de suspense chirriantes, The Skeleton  Kay es un poco como un buen disparo en la cabeza ".

Para Manohla Dargis de The New York Times dijo que era "Una de más películas 'intrascendentes' más disfrutables de la temporada (...) con ese falso gótico meridional que ofrece un exceso de placeres friki y que a Mr. Softley le cuesta un rato poner la película 'en marcha', lo cual es comprensible dado que no tiene mucho sentido."

Peter Hartlaub de la Crónica de San Francisco dio una opinión negativa de la película y dijo:" una película de terror bien intencionada que está lastrada por los miembros del reparto estelar que en su mayor parte actúan como si ellos no quieren estar allí ".

En su opinión con The Austin Chronicle, Marjorie Baumgarten escribió," el director Softley muestra una vez más su talento para la creación de ambientes atmosféricos ... sin embargo, la película, en general, carece de tensión y suspense.

Edward Alter escribió en Film Journal que "Iain Softley (K-Pax) y director de fotografía Dan Mindel hacen que la mayor parte del ajuste", pero llegó a la conclusión de que la película era " un thriller de pintura por números sobrenatural que es más interesante por sus lugares, además de por su historia. "
 
En el Chicago Tribune , Jessica Reeves llamó a la película "práctica pero en última instancia decepcionante.". En otro diario local el Chicago Sun-Times Roger Ebert nos dice que "Nos deja con una sorpresa final que tiene más sentido cuanto menos piensas en ella. Pero la maestría técnica del filme compensa mucho. (...)" :

Carina Chocano en  Los Angeles Times comentó que "Con el suficiente suspense como para mantenerte intrigado hasta el satisfactorio e inesperado final, que compensa la suspensión de incredulidad. Después de todo, como apuntan en la película: 'No funciona si no te lo crees'."

Michael Rechtshaffen en The Hollywood Reporter sostiene que es "Una historia de fantasmas elegantemente montada que se adentra plenamente en la humeda atmósfera de Louisiana."

Ya en España Javier Ocaña en el  Diario El País comenta que es "Una cinta de miedo que no produce escalofrío. (...) el público sólo acaba de despertar ante la pirueta, bastante más risible que efectiva, que ofrece el guión en su desenlace."

Javier Cortijo en el  Diario ABC escribe que   "Softley le da un electroshock al invento, revisitiéndolo de una capa de clasicismo no demasiado apolillado (…) Y eso que las premisas tampoco son cántaros de originalidad (…) aunque el final gana bastantes enteros (...) ”.

Comentar que la película en  taquilla fue un gran éxito, sin embargo a mi me ha parecido un buen ejercicio estilístico pero poco más;  con un final algo aturullado  y con un elenco absolutamente desaprovechado en lo que parece que ni ellos entienden realmente que está ocurriendo ni lo que  ha ocurrido. Eso sí, técnicamente la película es brillante, con una fotografía sublime y con una banda sonora que se inserta plenamente en la historia, es precisamente, lo que falla en a película, la historia.




domingo, 25 de septiembre de 2016

20.000 leguas


La primera vez que fui a EuroDisney en el año 1996 no recuerdo haber entrado en un área que desde 1994 forma parte de un atractivo recorrido en Disneyland París  que recibe el nombre de  Les Mystères du Nautilus.

Sin embargo, en la primavera del año 2013 cuando fui acompañando a mis hijos sí que entre en ese espacio que no deja de ser un homenaje a un clásico de Disney, no de animación, la que posiblemente fue la película de mayor éxito con personajes reales, al menos, en esa década. Hablamos de 20.000 leguas de viaje submarino (20,000 Leagues Under the Sea).

Se trata de una película estadounidense del añó  1954 basada en la novela homónima escrita por Julio Verne, producida por Walt Disney, y dirigida por Richard Fleischer uno de los directores más prolíficos y más versátiles  del cine norteamericano capaz de atreverse con cualquier género. Es curioso - y no lo sabía hasta hace un momento - que era hijo del animador Max Fleischer, creador por ejemplo de Betty Boop o de Popeye el Marino y que estudió interpretación en la Universidad de Yale. Sin embargo en 1946 ya encontramos a Richard Fleischer dirigiendo  su primera película. 

Su gran oportunidad en el mundo del cine llegó en 1954, de la mano de Walt Disney, quien lo contrató para dirigir lo que fue un ambicioso proyecto de la Compañía y que suponía  la adaptación cinematográfica de una obra importante de Julio o Jules Verne, 20.000 leguas de viaje submarino.

Fleischer hubo de vencer algunas reticencias familiares, ya que su padre, Max, compitió con el propio Disney al crear sus propios personajes, aunque también he leído lo contrario.

El filme se convirtió en todo un éxito comercial y en un clásico absoluto, una obra repleta de espíritu aventurero típico de la factoría Disney y en la que Fleischer pudo contar con un par de actores de la talla de Kirk Douglas y James Mason que estaban en la cima de su carrera, a la que se unían grandes clásicos de la interpretación como Peter Lorre y Paul Lukas como actores principales.

Se trataba de una producción de Walt Disney Productions que seguía el guión de Earl Felton que a su vez se basaba en Veinte mil leguas de viaje submarino de Julio Verne. Invirtieron en ella la friolera de 5 millones de dólares, algo extraordinario para este Estudio en esa época,  mientras que la distribución quedaba en manos de Buena Vista Distribution, siendo el primer largometraje de Disney para ser distribuida por Buena Vista Distribution .

En el apartado técnico la película contará con la música de Paul J. Smith, la fotografía de Franz Planer y el montaje de Elmo Williams.

El reparto lo encabezaban Kirk Douglas como el arponero de Ned Land, James Mason como el capitán Nemo, Paul Lukas como el profesor Pierre Aronnax, Peter Lorre como el ayudante del doctor Conseil. A los que se suman Robert J. Wilke un compañero del Nautilus, Ted de Corsia como el capitán Farragut, Carleton Young como John Howard, JM Kerrigan como Billy, Percy Helton como conductor del autobús, Ted Cooper como primer compañero Abraham Lincoln y Fred Graham como Casey.

La película empieza con el inicio del libro, su capítulo nº 1 que empieza con unos "¡Alarmantes rumores"! .

En 1870, debido a los relatos de marineros que aseguran haber visto un monstruo marino al sur del Pacífico, los Estados Unidos fletan un buque de guerra para destruir a la bestia que altera la tranquilidad de los mares. Pero, cuando el monstruo los ataca, de nada sirve todo su poderío bélico para evitar el desastre. Sabemos que se han perdido numerosos barcos, y sin que exista una clara explicación. Muchos creen que se trata de un monstruo marino, una especie de ballena con un gran cuerno afilado en su frente.

Finalmente, se organiza desde los Estados Unidos una expedición, cuya misión consistirá en desvelar el secreto de estos hundimientos ya que tras el hundimiento del buque, se crea en las localidades marinas como en la portuaria de San Francisco una enorme aprensión y miedo entre los marineros, tanta, que interrumpe incluso las rutas de navegación.

Ante esta situación el gobierno de Estados Unidos invita a dos científicos que esperan en el puerto de San Francisco para poder viajar al continente asiático a integrarse en su expedición que combinaría lo científico y lo militar. Se trata del profesor Pierre Aronnax M. (Paul Lukas) y de su ayudante, Conseil (Peter Lorre).

Ambos se unen a una expedición para probar o refutar la existencia del monstruo. A bordo de la fragata con ellos es el maestro arponero Ned Land (Kirk Douglas) un tipo engreído y divertido que gusta de solucionar la situación aunque sea con la fuerza de sus puños.

A bordo del buque científico- militar que indaga los mares viaja el naturalista, el profesor Aronnax (Paul Lukas), y su ayudante Conseil (Peter Lorre) que parecen no llegar a conclusión alguna. Por su parte, Ned Land (Kirk Douglas) espera matar la bestia.

Cuando después de una larga navegación detectan el "monstruo"el barco de guerra dispara sus cañones pesados, pero en eso que el monstruo se vuelve y ataca a la fragata que se hunde.

Ned , Aronnax y Conseil caen por la borda y llegan hasta un bote salvavidas. Los tres supervivientes son recogidos por el propio "monstruo", que resulta ser un buque capaz de sumergirse en el mar, algo inédito hasta entonces, un navío distinto a todo lo que hubiesen podido imaginar. El barco tiene un nombre inolvidable:  el submarino Nautilus.

En el interior del misterioso artefacto conocen al Capitán Nemo (James Mason), quien les muestra toda la nave, en donde son muy bien tratados y les informa que quienes ingresan al Nautilus, no vuelven a salir nunca, por lo que les son revelados muchos secretos y recorren diversos lugares, entre los que se menciona la mítica Atlántida.

El barco se desplaza en silencio y nadie le da respuestas cuando los pasajeros preguntan. En el interior pueden ver las profundidades marinas, las especies, de lo que viven incluso una extraña procesión funeraria bajo el agua.

Ned, Aronnax y Conseil intentan conversar con el capitán , pero mientras que Ned y Conseil van a bucear junto a los hombres del Nautileus, Aronnax se irá acercando como científico al capitán Nemo.

Desde luego le sorprende todo lo que va descubriendo. Cuando Nemo descubre que Aronnax está dispuesto a morir con sus compañeros, el capitán le permite a Ned y a Conseil permanecer a bordo, pues parecían que iban a ser eliminados.

Un día Nemo lleva a Aronnax a una colonia penal de la isla de Rura Penthe. Nemo revela que una vez él estuvo como prisionero allí, al igual que muchos de los tripulantes de la Nautilus. Nemo y Aonnax descubren que los presos están cargando un barco de municiones.

Tras ver como sale a alta mar el Nautilus se dispone a atacarlo y a hundir al barco en alta mar, destruyendo su carga y matando a su tripulación. Un angustiado Nemo le dice a Arronax que sus acciones han salvado la vida de miles de personas del uso del armamento destinado a la guerra.

También Nemo da a conocer que esta "nación odiada" había torturado a su esposa e hijo y que los llevó hasta la muerte al intentar forzar de él los secretos de su trabajo como investigador. Ned, queda horrorizado por la muerte de sus colegas marineros, y descubre las coordenadas de la base secreta de Nemo que está en la isla de Vulcania . Por medio de mensajes enviados en las botellas que hay en el barco y que guardan especies únicas con la ubicación aislada de la isla, con la esperanza de que alguien las encuentre para liberarlos a todos de su cautiverio.

En la costa de Nueva Guinea , el Nautilus queda varado en un arrecife. Ned se sorprende cuando Nemo le permite ir a tierra con Conseil, aparentemente para recoger muestras. Ned pretende explorar vías de escape en la isla. Mientras está de rodillas en un fuente para beber, ve una serie de cráneos humanos en estacas.

Al darse cuenta de su peligro, Ned corre por su vida y marcha junto a un asustado Conseil, ya que son perseguidos por los aborígenes caníbales hasta el Nautilus. A pesar de sigue encallado, Nemo dispara sobre los caníbales que son repelidos desde el barco por las cargas eléctricas a través del casco exterior.

Nemo está furioso con Ned por no seguir sus órdenes y lo confina en el bergantín del submarino. Mientras un buque de guerra se acerca, disparando sobre el Nautilus. Esto provoca que el Nautilus se desplace hasta un arrecife y pueda volver a las profundidades, donde atrae la atención de un calamar gigante .

Una carga eléctrica intenta repeler la criatura, mientras Nemo y sus hombres van a la superficie durante una tormenta para expulsar a la bestia. Nemo es capturado por uno de los tentáculos del calamar y Ned, habiendo escapado de su cautiverio durante la lucha, lanza un arpón contra la criatura, matándolo, y salta al rescate de Nemo, salvando de ahogarse al calamar muerto que se hunde distancia.

Como resultado, Nemo tiene un cambio en su manera de ver al mundo y decide hacer la paz con el mundo exterior.

A medida que se acerca el Nautilus a Vulcania, Nemo descubre que la isla está rodeada por buques de guerra, cuyos marines están convergiendo hacia su base oculta en una laguna interior. Cuando Nemo llega a tierra, Ned se reconoce como el autor de los mensajes en botella. Aronnax se da cuenta de esto y se enfurece, reconociendo que Nemo pronto destruirá toda evidencia de sus descubrimientos.

Nemo dispara una bomba con temporizador sobre su gran complejo, pero descubrimos en este momento que está gravemente herido por un disparo en la espalda mientras volvía a la Nautilus.

Después de navegar sin orden ni concierto el submarino se aleja de Vulcania, Nemo anuncia que el Nautilus descenderá por última vez". La tripulación del Nautiles le dice a Nemo que le acompañarán a su capitán en la muerte . Aronnax, Conseil, Ned están confinados en sus camarotes. La tripulación del Nautilus también se retira a sus camarotes siguiendo las instrucciones del Nemo.

Ned se las arregla para emerger al Nautilus, golpear un arrecife en el proceso, haciendo que el barco empiece a llenarse de agua. Mientras Nemo se tambalea y llega hasta el gran óculo que permite la visión desde su gran salón, y mirando las profundidades del océano muere por los efectos del tiro.

A pesar de que el Nautilus se está hundiendo Aronnax no quiere salir sin intentar recuperar su diario, que contiene un relato de su viaje, pero la urgencia de su fuga obliga a Ned a golpearlo y dejarlo inconsciente y llevarlo consigo.

Ya fuera del Nautilus en su balsa los tres son testigos de la destrucción de Vulcania tras una enorme explosión, y Ned se disculpa con Aronnax por golpearlo. A medida que el Nautilus va a la deriva se va inundando y desaparece bajo las olas, y escuchamos en ese momento las últimas palabras de Nemo a Aronnax como un eco: "Hay esperanza para el futuro y cuando el mundo esté listo para una nueva y mejor vida, todo esto pasará. En el año de Dios ...". Acabando así este clásico de Disney.

La película fue concebida en un principio como película animada de Walt Disney , pero este decidió finalmente utilizar actores reales ya que intuía lo bien que resulta bien en la gran pantalla los enfrentamientos entre el capitán Nemo, aquí medio villano medio era interpretado por James Mason y el divertido ballenero Ned Land encarnado por Kirk Douglas que aquí aparece con notable humor y desatada energía inclusive para cantar la película.

La grabación se realizó en un colorido Cinemascope, siendo una de las primeras producciones en hacerlo fuera de la 20th Century-Fox en usar ese proceso anamórfico de pantalla ancha. La película contó con Richard Fleischer que parece ser que tras elegido se acercó a Walt Disney para preguntar si Disney sabía quién era. Disney le dijo que él era muy consciente de quién era y lo contrató porque pensó que era el mejor hombre para este trabajo.

20.000 leguas de viaje submarino fue filmada en varios lugares en las Bahamas - en concreto en Lyford Cay,  South Ocean,  Nassau, todas ellas en New Providence en Bahamas - y Jamaica. En concreto muchas escenas fueron filmadas en lo que hoy es el Xtabi Resort en los acantilados de Negril .

La filmación comenzó en la primavera de 1954. Se rodó en exteriores entre Jamaica y San Diego. Parte de las escenas submarinas se firmaron en los estudios Disney para ello se emplearon dos inmensos tanques de agua en los Walt Disney Studios en South Buena Vista en Burbank (California) y otro al aire libre en los estudios de la Fox, así como los Studios de la Universal International para los decorados exteriores en las escenas de apertura de la película) y los ya citados de la 20th Century Fox (por su gran tanque exterior).

Algunos de los secuencias de localización de la película fueron tan complejos que requirieron de un equipo técnico de más de 400 personas.

La película presentó muchos otros retos. La famosa secuencia de ataque calamar gigante tuvo que ser completamente regrabada, ya que fue grabado originalmente en la oscuridad y en un mar en calma. La secuencia se rodó de nuevo, esta vez teniendo lugar por la noche y durante una gran vendaval, tanto para aumentar el drama y para ocultar mejor los cables y otros trabajos mecánicos del calamar animatronic.

Hubo además sobrecostes lo que convirtió este film en una producción muy cara para una producción de Disney, aunque de ninguna manera tan caro como otros lanzamientos de la época: Juana de Arco (1948) que había costado $ 4.6 millones; Quo Vadis . (1951) que tuvo un presupuesto estimado de $ 7.6 millones de dólares. El coste real fue de 5 millones de dólares pero muy pronto ingreso 11 millones de dólares en taquilla

Se contó también con unos extraordinarios efectos especiales para la época. Solo las escenas del pulpo gigante atacando al Nautilus tuvieron un costo de 250000 $ y constituyeron sin duda el gran atractivo de la película. .

Tras la liberación original de la película, el crítico de cine Bosley Crowther del The New York Times dio una opinión positiva en general al afirmar que: " Era fabulosa y fantástica , lo que jamás se había hecho en los dibujos animados de Walt Disney" destacando el hecho de ser una película de acción en vivo "a partir de la obra de Julio Verne 20.000 leguas de viaje submarino ".

El crítico, Richard Schickel , declaró que James Mason está "magnífico como el inventor loco que es el capitán Nemo".

La película también fue elogiada por las actuaciones de los actores principales. Esta fue la primera vez que grandes estrellas internacionales como Kirk Douglas, James Mason - en su papel de Nemo se pensó igualmente en Gregory Peck- o Peter Lorre o Lukas - para cuyo papel también se pensó en Charles Boyer- habían aparecido en una película de Disney, aunque Robert Newton , un conocido actor del cine británico había interpretado a Long John Silver en la versión Disney de la isla del tesoro (1950), y Richard Todd , otro conocido actor británico, había aparecido en la la historia de Robin Hood en su versión Technicolor para la Disney en 1952.

20.000 leguas de viaje submarino fue la segunda película más taquillera del año (detrás de White Christmas ), ganó $ 8 millones en taquilla en América del Norte y se ha convertido en un clásico del cine de la Disney corporación.

Hoy día, el crítico de cine Steve Biodrowski dijo que la película es "muy superior a la mayoría de los esfuerzos de género de la época . Elogió especialmente el diseño de producción y los efectos técnicos ." Biodrowski también añadió que la película "en ocasiones puede sucumbir a algunos de los problemas inherentes a la materia prima (la naturaleza episódica hace que el ritmo sea muy lento pero para éste se trata de una de las mejores películas de ciencia ficción que jamás se ha hecho .

La película actualmente posee un índice de aprobación del 89% en el sitio web Rotten Tomatoes , valorándose como: " una de las mejores aventuras de acción real de Disney, 20.000 leguas de viaje submarino trae clásico cuento de ciencia ficción de Julio Verne a la vida viva, y cuenta con un calamar gigante impresionante. "

Miguel Ángel Palomo dijo de ella en el Diario El País que era "La mejor adaptación (...) Verne supo inundar de espíritu aventurero las imágenes de esta película inolvidable, toda una lección de sabiduría visual y capacidad creativa".

Para Aberto Abuín de blog de cine es "una de las mejores películas de imagen real salidas de la factoría Disney".

La película obtuvo sus premios en ese año de 1954 obteniendo tres nominaciones en los Oscars y dos premios como Mejor dirección artística para John Meehan y Emile Kuri y los efectos especiales para los Walt Disney Studios . La nominación al mejor montaje fue para Elmo Williams , . La National Board of Review la incluyó en ese año 1954 entre los Top 10 Mejores películas

Señalar que en el premio de la dirección artística tendría que haber incluido al diseñador de arte de la película , Harper Goff , fue quien diseñó el Nautilus, pero como no era miembro de la Unión de Directores de Arte en 1954 y, por lo tanto, en virtud de una ordenanza dentro de la Academy of Motion Pictures, no pudo recibir su premio de la Academia a la Mejor Dirección de Arte.


Uno de las cosas que llaman la atención en la película fue la canción memorable de la película que nos regaló Kirk Douglas titulada "Una ballena de cuento", escrito por Norman Gimbel y Al Hoffman y cantada por Kirk Douglas , que también fue lanzado en 1954 por el sello Decca . Parece ser que el diseñador de producción, Harper Goff fue quien enseñó Kirk Douglas a tocar la guitarra. En la película, suena igualmente una obra de Johann Sebastian Bach , en concreto, Tocata y Fuga en re menor interpretado por Nemo en el órgano del Nautilus.

La película fue el proyecto más ambicioso en imagen real de la Disney y también fue la que obtuvo mejor acogida por parte del público. Ese mismo año 1954 se iniciaba su serie para televisión Disneyland que hizo nuestras delicias. En 2009 parece que la Disney planea abrir una franquicia inspirada en dicha novela, empezando con un film titulado ‘20,000 Leagues Under the Sea: Captain Nemo’, que es una precuela del libro de Verne. Se narrará la historia de un joven Nemo, que entre otras cosas, tiene en mente la creación de cierto submarino de nombre Nautilus. Para la dirección se pensó en McG,o sea, Joseph McGinty Nichol. Los estudios se estrenaron con esta espectacular 20000 leguas de viaje submarino.

Para concluir diremos que es una buena película para disfrutar con este clásico del cine y de la literatura que nos habla de toda una serie de inventos que predicen como va a ser e futuro. Impresiona que Verne este genial personaje nacido en Nantes plantea que la fuente de energía para el Nautilus está claramente vinculado como la energía nuclear. Impresionante, ¿ no? .